영화는 언제나 새로운 것을 추구해 왔습니다. 어떤 감독은 탄탄한 서사와 인물 중심의 연출로 고전을 남겼고, 또 다른 감독은 기존의 문법을 깨부수며 실험적인 영화를 만들어 냈죠. 고전 영화와 실험 영화는 마치 양극처럼 보이지만, 영화 언어를 구성하는 두 축으로서 지금도 서로를 자극하며 진화하고 있습니다. 이번 글에서는 고전 영화와 실험 영화의 차이를 서사, 상징, 미장센이라는 세 가지 핵심 요소를 통해 비교해 보겠습니다.
서사의 방식: 안정적 구조 vs 의도된 파괴
고전 영화의 서사는 대부분 기승전결의 구조를 따릅니다. 인물의 욕망, 갈등, 위기, 해소를 중심으로 이야기가 전개되며 관객은 익숙한 흐름 안에서 인물의 감정선에 몰입하게 됩니다. 예를 들어 『카사블랑카』나 『대부』 같은 영화는 시작부터 끝까지 완결성 있는 구조로 짜여 있어 서사의 안정감을 줍니다. 반면 실험 영화는 이러한 ‘이야기’를 거부합니다. 어떤 경우는 이야기 자체가 없고, 인물조차 등장하지 않기도 하며, 등장해도 그들은 어떤 서사 구조 속에 갇혀 있지 않습니다. 고전 영화가 ‘왜’와 ‘그래서’를 중심으로 한다면, 실험 영화는 ‘그 자체’를 보여줍니다. 대표적인 예로 앤디 워홀의 『Sleep』은 무려 5시간 동안 잠자는 사람을 보여줍니다.
상징의 사용: 명료함과 은유 vs 추상과 해석
고전 영화는 상징을 명확한 맥락 속에서 사용합니다. 소품, 색상, 대사 등은 관객이 해석할 수 있도록 친절하게 배치되어 있죠. 예컨대 『시민 케인』의 눈 속 썰매 ‘로즈버드’는 주인공의 유년 시절, 상실된 순수함을 상징합니다. 실험 영화는 이러한 ‘명료한 상징’을 거부합니다. 추상적인 이미지, 반복되는 장면, 왜곡된 사운드를 통해 비언어적 해석을 유도합니다. 상징은 해석되지 않기도 하고, 의도적으로 애매하게 배치되며, 관객마다 전혀 다른 의미로 받아들여질 수 있습니다. 스탠 브래키지의 『Mothlight』는 종이 조각, 꽃잎, 날벌레의 날개를 직접 필름에 붙여 만든 실험 영화인데, 어떤 내러티브도 없지만 죽음, 빛, 생명력 같은 상징을 감각적으로 전달합니다.
미장센의 철학: 현실 묘사 vs 감각의 조형
고전 영화의 미장센은 인물 중심, 상황 중심입니다. 조명, 카메라 앵글, 세트는 인물의 감정이나 서사를 뒷받침하기 위한 요소로 작동합니다. 예를 들어 히치콕의 『현기증』에서는 색채와 구도가 주인공의 심리 상태를 시각화하는 도구로 사용됩니다. 반면 실험 영화는 미장센 자체가 ‘주제’가 됩니다. 화면에 보이는 모든 요소는 설명이 아니라 ‘경험’의 도구입니다. 카메라가 흔들리고, 프레임이 갑자기 전환되며, 빛과 어둠이 리듬처럼 흐릅니다. 미장센은 이야기를 뒷받침하는 장치가 아니라, 독립된 예술 언어로 존재합니다. 장 뤽 고다르의 후기 작품들이 그러합니다. 그는 화면을 분할하거나 자막과 음향을 분리시키는 방식으로 관객의 관람 태도 자체를 흔듭니다.
고전 영화는 이야기의 힘과 상징의 깊이, 미장센의 조화로 세월을 견디는 작품을 만들어냈습니다. 반면 실험 영화는 영화 언어 자체를 해체하고 재조합함으로써 새로운 감각과 사유의 가능성을 보여줍니다. 이 두 장르는 서로를 부정하기보다는, 서로의 한계를 드러내고 확장해주는 존재입니다. 고전 영화가 우리를 감정에 빠지게 한다면, 실험 영화는 우리를 생각하게 만듭니다. 결국, 둘 모두 진짜 영화가 줄 수 있는 힘—‘다르게 보는 경험’을 우리에게 선사합니다.